Cinema Scope: Breve historia del fin del cine mudo

El artista está recibiendo muchos elogios por su ambiciosa versión de ese peculiar episodio del cine estadounidense, la aprobación del cine mudo para dar paso a las películas sonoras. Es un esfuerzo hermoso y un reloj desafiante, y aborda la pregunta más artística de todas las preguntas artísticas, que es: ¿Qué es ser un artista cuando se vuelve imposible practicar ese arte?

Para los actores del cine mudo de finales de los años 20, esa pregunta era una preocupación casi constante, con diferentes opiniones sobre preocupaciones filosóficas y prácticas. El artista apenas aborda ninguno de los eventos importantes durante esta transformación, eligiendo en cambio enfocarse en el ángulo agudamente personal. Las luchas que George Valentin caras en El artista fueron repetidos por muchas de nuestras estrellas de cine más populares de la época.



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La película pasa por alto la realidad de que la película sonora comenzó a introducirse ya en 1923, con proyecciones de una nueva tecnología patentada de sonido sobre película adaptada retroactivamente a películas mudas que fue inmediatamente popular. Los principales estudios se apresuraron a adquirir y adaptar la tecnología para hacer grandes películas de estudio con sonido incorporado. La transición fue inevitable y las estrellas tuvieron una buena introducción para apreciar lo que se avecinaba.

Sin embargo, es cierto que el momento de venir a Jesús fue el lanzamiento de 1927 de Warner Brothers El cantante de jazz , en lo que un crítico llamó burlonamente un registro ampliado de Vitaphone de Al Jolson en media docena de canciones. A pesar del juicio posiblemente justo de que la película fue creada completamente para mostrar la tecnología de la película sonora, la película fue un gran éxito y encendió las luces en las cabezas de los espectadores: el sonido era más realista, permitía un mayor rango y era más interesante. No se trataba de su superioridad, para la mayoría.

Algunos todavía sentían que la película sonora era torpe, el epítome de la pegajosidad. Thomas Edison Estaba molesto por la rigidez inicial de la película sonora, una eventualidad creada por el rango limitado de movimiento que se brindaba a los actores que necesitaban permanecer dentro de la arena del micrófono. Uno de los primeros productos beta, la película sonora sufría varios inconvenientes tecnológicos: además del movimiento limitado, las cámaras en ese momento eran extremadamente ruidosas e interferían con el rodaje, había dificultades para sincronizar las bocas de los actores con el diálogo y el La demanda de guionistas (una frase que uno no espera leer nunca) para escribir más que títulos entre títulos fue alta. Edison se sintió frustrado con la empresa y volvió a hacer películas mudas con estrellas de la época como Clara Bow .

Bow también sufrió un poco por un problema que asedió a muchas estrellas silenciosas en los intentos de transición al sonido: un acento fuerte. Ella y su acento de Brooklyn se convirtieron en talkies con poco problema, pero estrellas extranjeras con mucho acento como el alemán. Emil Jannings o actriz húngara Vilma Banky encontraron que su discurso era un obstáculo mayor. El acento francés de George Valentin en su única línea al final de El artista rinde homenaje a esta idea. Otro problema que impidió la transición de muchas estrellas al cine sonoro fue su falta de entrenamiento de la voz; no había sido necesario en sus carreras anteriores y muchas carecían de voces convincentes para el público. El poco conocido Norma Talmudge sufrió este efecto y renunció a las películas después de que sus primeros talkies no tuvieran éxito. Cuando le pidieron un autógrafo después de su partida cinematográfica, les dijo a los fanáticos: 'Fuera, queridos'. Ya no te necesito y tú no me necesitas a mí.

La mayoría de los actores capitularon e hicieron la transición lo mejor que pudieron, y es justo El arista para sugerir que algunos de ellos, como su heroína ficticia, el modelo Ruby-Keeler Peppy Miller , les fue bastante bien. Lillian Gish , D.W. El favorito del cine mudo de Griffith, se tomó una década libre para hacer teatro y regresó al cine, obteniendo elogios y algunas nominaciones al Oscar en el camino. Joan Crawford , la eminente perra jefa a cargo, hizo una carrera muy exitosa en el cine sonoro hasta la vejez. Clara Bow, mientras lamentaba la pérdida de la ternura en las películas sonoras, que odiaba, también admitió que no pudo resistir el progreso y se adaptó tan bien como pudo. Es decir, no mucho, desarrollando una adicción constante a los sedantes y al licor que le duró el resto de su vida. Para ser justos, puede que no haya sido tanto la realización de una película sonora como el resultado de despertar con su madre con un cuchillo en la garganta cuando era niña. ¡Eek! Pero esa es una historia de terror para otro día.

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El artista Sin embargo, dramatiza en exceso la rapidez de la transición a la película sonora. Como se mencionó anteriormente, Edison continuó haciendo películas mudas a las que les fue bastante bien. Europa y Asia hicieron la transición un poco más tarde y mucho más tarde, respectivamente: hasta 1938, un tercio de las películas japonesas todavía eran silenciosas. Salvador Dali y Luis Buñuel produjo el seminal Un perro andaluz en 1929 como una película deliberadamente muda. Y la Gran Resistencia de todos ellos, Charlie Chaplin , hecho Tiempos modernos en 1936 (!), la última película muda estadounidense que tuvo un gran éxito por derecho propio, y tanto comercial como críticamente popular en su época.

La película comenzó como un sonoro, irónicamente, ya que Chaplin odiaba el cine sonoro, y el tema trata indirectamente de eso. Chaplin interpreta a un trabajador de una fábrica que intenta sobrevivir a las iniquidades de la invención moderna, encontrándose perdido entre la producción en masa y sin sentido del individuo. La película es una comedia, sin duda, pero de esa manera especial que Chaplin tiene de llevar el humor a su deprimente conclusión. En 1929, Chaplin afirmó que los talkies están arruinando la gran belleza del silencio. Están derrotando el significado de la pantalla. Incluso Chaplin no pudo aguantar para siempre: en 1940, produjo su primera película sonora, El gran dictador, una de las primeras obras de arte anti-Hitler.

El sonido siempre tuvo la intención de ser parte del cine, y su ausencia durante las tres primeras décadas de su historia una aberración debido a las restricciones de una tecnología que tropezaba con su exuberancia juvenil. Eso no quiere decir que esta transición no tuvo algunos efectos reales y ocasionalmente devastadores en la vida de los seres humanos, y El artista es un tratamiento hermoso, aunque simplista, de ese período de tiempo.

Aunque vale la pena señalar que el ser humano en el que parece estar basado nuestro protagonista George Valentin lo hizo bastante bien en los últimos tiempos del cine mudo.

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William Powell , el del bigote con manubrio y el perrito terrier arriba, tenía una voz profunda y encantadora que le sentaba bien en el cine sonoro. El y la actriz Myrna Loy eran una combinación de superestrella, y él tuvo un gran éxito con ella en El hombre delgado , convirtiéndose en una lista A de la noche a la mañana. Verá, el progreso no fue tan malo para todos. Especialmente, en este caso particular, Jerry Bruckheimer .

Natasha Simons era una estudiante de cine que desearía ser tan bailarina como Joan Crawford. Ella bloguea aquí .