Guillermo del Toro ha desarrollado un estilo cinematográfico que solo puede describirse con precisión como una fantasía folk-punk-horror inspirada en el gótico, influenciada por Fabergé. Su inteligencia emocional y complejidad temática son únicamente mexicanas, pero también cautivadoramente globales. Aquí están todas sus películas hasta la fecha, clasificadas en orden de mérito artístico y posibilidad de volver a verlas.
12. Hojas II (2002)
La segunda de tres películas basadas en el personaje de Marvel Comics Blade, Hojas II sigue a un híbrido humano-vampiro en su búsqueda continua para proteger a la humanidad cazando vampiros. Se encuentra con un grupo de vampiros mutantes que quieren exterminar no solo a los vampiros, sino también a los humanos, y se suceden las escenas de lucha con la espada hacia adelante. Pero como muchos (posiblemente demasiados) Extraterrestre y Depredador películas, puede ser un ejercicio de confusión cuando cada entrega de una serie está dirigida por un cineasta diferente, cada uno con su propia visión creativa de la franquicia.
Hojas II fue un éxito de taquilla, probablemente debido al atractivo de Wesley Snipes a principios de la década de 2000, pero su respuesta crítica fue tibia. No hay mucho desarrollo de personajes aquí, y las historias de caza de vampiros a menudo están repletas de clichés. Pero incluso después de 20 años, las sólidas actuaciones, el uso elegante de luces y sombras y la coreografía de lucha de Donnie Yen hacen de esta la entrega más sólida de la serie.
11. la costa del Pacífico (2013)
La única película de Del Toro que puede clasificarse claramente como ciencia ficción, este homenaje a las películas de kaiju de las décadas de 1950 y 1960 y al anime de mechas de las décadas de 1980 y 1990 fue su largometraje de mayor éxito comercial. Pero sigue siendo el menos conectado con el resto de su filmografía, estéticamente hablando.
Más allá de las referencias obvias a Godzilla y Neon Genesis Evangelion , también hay guiños a Día de la Independencia , Guerra de las Galaxias , y 2001: una odisea del espacio, y homenajes más sutiles a la ficción de Philip K. Dick, Ray Bradbury, H.P. Lovecraft y Mary Shelley. Todas estas referencias a veces hacen la costa del Pacífico más como un juego de buscar y encontrar para geeks que una narrativa memorable por derecho propio. Su historia de un ex piloto caído en desgracia (Charlie Hunnam) que forma una díada humana con un aprendiz reciente (Rinko Kikuchi) para usar un modelo obsoleto de un robot gigante para derrotar a una horda de monstruos gigantes para siempre (hasta la secuela) es auténticamente emocional y atractivo en algunos puntos. Pero su diseño de producción de gran presupuesto recuerda la adormecedora complejidad visual de Michael Bay. Transformadores más que las curiosas curiosidades analógicas del otro trabajo de del Toro.
10. Imitar (1997)
Basado en una historia corta de Donald A. Wollheim, Imitar fue adaptada por Guillermo del Toro y Matthew Robbins. Este híbrido de ciencia ficción y terror continúa desarrollando el estilo visual pictórico que Del Toro estableció cuatro años antes en su ópera prima. Cronos .
En Imitar , una plaga que afecta a los niños se propaga por Manhattan a través de las cucarachas. La siempre infravalorada Mira Sorvino ( Reunión de secundaria de Romy y Michele , verano de sam ) interpreta a un estudiante graduado que aprovecha la ingeniería genética para crear un insecto mitad mantis, mitad termita que puede imitar a las cucarachas para infiltrarse en sus espacios y matarlas antes de que puedan propagar más enfermedades. Aunque estos insectos híbridos fueron diseñados para ser estériles, se convierten en grandes criaturas depredadoras que le dan un nuevo significado a su apodo 'Judas Breed' (en honor al traidor bíblico). A lo largo de la película, Del Toro muestra su don para el ritmo, la iluminación y el trabajo con los artistas para sacar a relucir sus actuaciones más naturales. Sorvino cuenta con el apoyo de Josh Brolin, Charles S. Dutton y F. Murray Abraham en una película que equilibra la fealdad con la belleza que es tan contemplativa como desconcertante.
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9. Callejón de pesadilla (2021)
Basado en una novela de William Lindsay Gresham, este thriller psicológico es la única película de Guillermo del Toro sin fantasía ni elementos sobrenaturales. Esta es la segunda adaptación de la novela de Gresham (la primera fue en 1947), y del Toro refuerza sus convenciones noir con elementos de un inframundo excéntrico rodado en su estilo inequívoco. La trama sigue a un vagabundo (Bradley Cooper) que se convierte en un médium psíquico e inesperadamente conoce a una psicóloga (Cate Blanchett) que quiere exponerlo como un fraude. Blanchett y Cooper cuentan con el apoyo de un sólido elenco que incluye a Toni Collette, Willem Dafoe y Rooney Mara. La producción se cerró en 2020 debido a la pandemia de COVID-19 y, finalmente, la película tardó más de dos años en completarse. A pesar de la afectuosa respuesta de los críticos, y una recomendación directa de Martin Scorsese , Callejón de pesadilla ganó solo $ 39.6 millones contra su presupuesto de $ 60 millones. Y cada vez que un querido creador se aventura fuera de su ámbito estético (por ejemplo, las películas no fantásticas de Hayao Miyazaki), el resultado no solo desafía las expectativas de la audiencia, sino que corre el riesgo de volverse menos conocido en su canon.
8. Cronos (1992)
El drama de terror financiado de forma independiente Cronos fue el primer largometraje de Guillermo del Toro. Inspirada tanto en el realismo mágico latinoamericano como en el cine clásico de vampiros, esta historia examina los efectos de un dispositivo de cuerda que otorga la inmortalidad a su portador. La trama sigue el dispositivo, inventado por un alquimista en España en 1536 y usado por él hasta su muerte en 1937, a una tienda de antigüedades en México en 1996. El dispositivo es comprado por un anticuario llamado Jesús Gris (Federico Luppi), quien sin saberlo lo activa. Recupera su salud y vitalidad, pero también desarrolla un gusto por la sangre, hasta que su nieta Aurora (Tamara Shanath) lo ayuda a encontrar la manera de liberarlo. Los temas mitológicos se equilibran con actuaciones discretas en la película que estableció a Del Toro como un escritor y director de terror gótico con un corazón compasivo.
Aunque originalmente se estrenó en solo dos cines en América del Norte, Cronos Luego ganó el gran premio de la Semana Internacional de la Crítica en el festival de cine de Cannes en 1993 y nueve premios Ariel de la Academia Mexicana de Cine. Ahora es parte de The Criterion Collection. Trilogía de Guillermo del Toro serie con otras películas en español de Del Toro, La espina dorsal del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006), y cuenta con arte de portada por chico infernal el creador Mike Mignola y la dibujante de cómics Becky Cloonan.
7. chico infernal (2004)
En su comentario de audio para el DVD del Director's Cut, del Toro explica que eligió a Ron Perlman para el papel principal en su adaptación de acción real del chico infernal cómic porque sabía que Perlman podía ofrecer sutileza y matices, incluso con tanto maquillaje. Desde su primera aparición en pantalla, fue obvio que Del Toro encontró al actor perfecto para darle vida al personaje. Perlman ha actuado en siete de las 12 películas de Del Toro hasta la fecha, pero su papel como Hellboy en dos de ellas sigue siendo el más icónico.
La historia tremendamente imaginativa de Mike Mignola, aunque todavía intelectualmente sólida, que involucra a los nazis, el ocultismo, los portales al infierno y el valor de ser auténtico contigo mismo desafiando las expectativas sociales se traduce bien en una película. Basado en la trama de Hellboy: semilla de destrucción (Volumen 1 de la serie Dark Horse Comics), la película está coprotagonizada por Selma Blair como la pirocinética Liz Sherman, Doug Jones como el humanoide anfibio Abe Sapien (y un David Hyde Pierce no acreditado como su voz) y John Hurt como Trevor Bruttenholm. el director de la Oficina de Investigación y Defensa Paranormal. Las actuaciones son serias pero relajadas, y nunca grandilocuentes a pesar del entorno fantástico. La narración que reflexiona '¿Qué hace que un hombre sea un hombre?' es un tema que Del Toro vuelve a visitar en la secuela de Diablos, así como su adaptación de pinocho . Aunque el marco de esta pregunta puede ser masculino, la respuesta podría aplicarse a cualquiera: 'Son las elecciones que hace'.
6. Hellboy II: El ejército dorado (2008)
Me gusta El imperio Contraataca (1980) o El caballero oscuro (2008), la secuela de chico infernal es consistentemente más atractivo y, en última instancia, más memorable que su predecesor. A veces onírico, extraño, bufonesco y fascinante, ninguna otra aventura de fantasía urbana de acción en vivo es comparable a el ejercito dorado . Ron Perlman, Selma Blair y Doug Jones ofrecen interpretaciones matizadas, incluso durante las secuencias de acción, que están bellamente realizadas. En la secuela, las criaturas mágicas que se esconden justo debajo de la superficie del mundo humano quieren reclamar su soberanía. El príncipe elfo Nuada despierta al ejército titular de máquinas antiguas para arrasar a la humanidad y que las criaturas mágicas puedan recuperar su libertad.
Del Toro emplea efectos prácticos como maquillaje y prótesis con títeres y animatrónicos, y los integra a la perfección con CGI para crear un mundo que es tan creíble como fantástico. el ejercito dorado presenta un dios del bosque elemental que aparentemente sangra trébol y musgo, un mercado nocturno al estilo de Marrakech para trolls, un medio ectoplasmático contenido en un traje de buceo de aguas profundas (con la voz de Seth MacFarlane) y un diseño de vestuario con texturas ornamentadas en todas partes. Como suele ser el caso con el trabajo más fuerte de Del Toro, los momentos más efectivos son las interacciones entre los personajes, que están imbuidos de un sentido del humor que hace que incluso sus momentos más extraños sean de alguna manera identificables.
5. La forma del agua (2017)
La forma del agua es único por haber sido nominado y ganado la mayor cantidad de premios de cualquier película de Guillermo del Toro, pero también por sus múltiples acusaciones de plagio. Las acusaciones iban desde una demanda que afirmaba que la trama es una copia punto por punto de la novela Déjame oírte susurrar , a las acusaciones de los críticos de cine que citaron similitudes con Hombre anfibio y la novela de Alexander Belyaev en la que se basó, así como las denuncias de plagio del diseño visual general del cineasta francés Jean-Pierre Jeunet. A pesar de todas estas acusaciones, del Toro cita sólo Criatura de la Laguna Negra (1954) y las películas de Terry Gilliam como influencia, y el resultado final es un drama cinematográfico que es claramente suyo.
Una mujer muda llamada Elisa Esposito ( Sally Hawkins ) trabaja como limpiadora en un laboratorio del gobierno en Baltimore, donde encuentra una criatura anfibia humanoide cautiva. Los dos forman un vínculo y finalmente se enamoran, pero cuando la criatura está programada para la vivisección, Elisa lo ayuda a escapar. Doug Jones interpreta con elegancia al hombre anfibio, y Hawkins y los actores secundarios Octavia Spencer y Richard Jenkins fueron nominados a los Premios de la Academia por sus actuaciones. La forma del agua está tan cómodo con su propia extrañeza como cualquiera de los de Del Toro chico infernal películas, pero su rasgo más memorable es su ternura.
4. Pico carmesí (2015)
Guillermo del Toro describes Pico carmesí como novela gótica, “una mezcla de historia de amor, melodrama, con atmósfera”. Pero como una historia de fantasmas con temas románticos y motivos de terror, Pico carmesí es más que una simple mezcla: es un elixir elaborado con partes iguales de trauma, pérdida, dolor y memoria.
Después de su matrimonio con Sir Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), Edith Cushing (Mia Wasikowska) se muda a una mansión victoriana construida sobre una pequeña montaña de arcilla roja como la sangre, donde conoce a la hermana de Thomas, Lucille (Jessica Chastain), la guardiana del Sharpe. los secretos de la familia, que incluyen una serie de fantasmas cada vez más espantosos. Pico carmesí es más una pieza de humor que un estudio de personajes, y la trama del misterio sobrenatural no es el punto focal de la narrativa. En cambio, esta es una historia de la forma en que el trauma influye en nuestras relaciones.
La emotividad de las actuaciones eleva Pico carmesí más allá de un pastiche de sus influencias. El suntuoso diseño visual, desde la arquitectura interior habitada hasta los disfraces ornamentados y los efectos de maquillaje espeluznantes, colocan a esta película entre las producciones más bellamente adornadas de Del Toro. O, para citar a Stephen King , Pico carmesí es 'hermoso y jodidamente aterrador'.
3. pinocho (2022)
Anunciado por primera vez en 2008, pinocho finalmente tomó 940 días para capturar en película, 10 veces el programa de rodaje promedio de una película de acción en vivo. La primera película de animación stop-motion de Del Toro presenta diseños de personajes verdaderamente únicos, y el movimiento es asombrosamente fluido. También es el primer musical de Del Toro, con canciones coescritas con el compositor Alexandre Desplat y el letrista Roeban Katz. Pero el detalle más significativo de esta producción podría ser el enfoque narrativo de Del Toro, que se basa en la realidad histórica y es fantástico más allá de todas las expectativas.
Del Toro vio la adaptación animada de Walt Disney de pinocho antes de leer la novela de Carlo Collodi, y fue influenciado tanto por los elementos de terror de la versión de Disney como por el absurdo del material original. Del Toro cambia el escenario de la historia a los años entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, cuando, bajo la dictadura de Benito Mussolini, el fascismo se estaba extendiendo por Italia. Escrito por del Toro y Patrick McHale, creador de Sobre el muro del jardín , esta adaptación es tan sentida como salvaje, y tan grotesca como lúdica. Me gusta El laberinto del fauno , las secuencias asombrosamente imaginativas funcionan como exploraciones de la vida y la muerte y como comentarios incisivos sobre el terror del fascismo.
2. El laberinto del fauno (2006)
El laberinto del fauno (titulo original: El laberinto del fauno ) sitúa la obra de Guillermo del Toro entre los anales cinematográficos ambientados en las postrimerías de la Guerra Civil Española. Mientras que los clásicos como El espíritu de la colmena (1973) o Cría Cuervos (1976) son alegorías de la vida después de la dictadura de Francisco Franco, El laberinto del fauno se desarrolla solo cinco años después del final de la Guerra Civil española, cuando Franco tomó el poder por primera vez. Su historia de fábula sigue un tortuoso camino por el mundo interior de su protagonista, una niña de 11 años llamada Ofelia (Ivana Baquero). Ofelia y su madre embarazada (Ariadna Gil) se trasladan al campo para conocer a su nuevo padrastro (Sergi López), un capitán del ejército del general Franco que persigue a los guerrilleros republicanos que allí se encuentran diseminados. Ofelia pronto descubre un laberinto donde conoce a un fauno que le promete la inmortalidad si completa tres tareas. A medida que avanza en cada una de las tareas fantásticas, la brutalidad de la guerra continúa a su alrededor.
Del Toro trabajó con David Martí y Montse Ribé, los artistas de efectos especiales con los que colaboró en La espina dorsal del diablo y chico infernal , para crear criaturas decrépitas pero relucientes cuya monstruosidad refleja la realidad de este período de la historia española. La actuación de Ivana Baquero como Ofelia es inusualmente sutil y merece todos los elogios que recibió. Doug Jones aparece en seis de las 12 películas de Del Toro hasta la fecha, a veces como más de un personaje, pero su interpretación del fauno podría ser su obra maestra.
1. La espina dorsal del diablo (2001)
Ninguna otra película de Guillermo del Toro resume su estilo visual y sus sensibilidades narrativas de manera tan reflexiva o económica como La espina dorsal del diablo (titulo original: El espinazo del diablo) . Esta historia de terror gótico fue escrita por del Toro con David Muñoz y Antonio Trashorras. Su ambientación en España durante el último año de la Guerra Civil española politiza sus alegorías y, como las historias de fantasmas más resonantes, los propios seres espectrales representan los daños causados por la cultura que los creó.
Un niño de 12 años llamado Carlos pierde a sus padres en la guerra y es enviado a un orfanato en el campo, donde descubre los fantasmas que lo acechan. Esta es una triste historia de fantasmas preocupada más por la motivación emocional de sus personajes que por sus sustos, aunque del Toro cultiva una sensación de pavor que persiste en cada escena. Sus múltiples tramas y sus temas de deseo, pérdida y dolor, especialmente para los niños en tiempos de guerra, se entretejen a la perfección. La espina dorsal del diablo fue una coproducción internacional entre España y México, y filmada en Madrid, que está fotografiada con amor de una manera que presagia los esfuerzos posteriores de Del Toro en películas como El laberinto del fauno y Pico carmesí . Si un espectador solo pudiera ver una entrada en la filmografía de Guillermo del Toro, La espina dorsal del diablo debería serlo
(imagen destacada: Netflix)
